Titulo: Autorretrato / 1516

Autor: Leonardo da Vinci

Museo: Palazzo Reale

Características: Tiza Estilo:

Renacimiento Italiano

 La imagen típica de Leonardo que trascendido hasta nuestros días fue pintada en 1516, a pastir de este autorretrato, voluntariamente adornado con ciertas característicasque el artista deseaba que trascendieran. El dibujo está hecho contiza roja sobre un papel coloreado, un tipo de papel que Leonardo elegía con mucho cuidado. En el retrato podemos apreciar los rasgos ennoblecidos delpintor e ingeniero, que se adorna a sí mismo con las galas de los antiguos filósofos: frente cargada, surcada de profundas arrugas en alusión a su intensa actividad intelectual. Largos cabellos ondulados, de la misma longitud de la barba, signo de cierto descuido aparente, típico de pensadores lejos de las preocupaciones de este mundo. Y una boca firmemente apretada, como indicando la dedicación de Leonardo a un tremendo problema que considera irresoluble. evidentemente los rasgos físicos de Leonardo están ahí, pero también una serie de códigos que se han mantenido hasta nuestros días, cuatro siglos después, como el vivo retrato del artista, del sabio, del hombre del Renacimiento

Titulo: Buenos días, señor Gauguin, 1889

Autor: Paul Gauguin

Museo: Colección particular

Características: Óleo sobre lienzo 113 X 92 cm

       Con motivo de un viaje a Montpellier, Gauguin contempló el cuadro deCourbet ¨ Buenos días, señor Courbet . Consideró interesante parodiar esa obra maestra del realismo, ejecutando este lienzo. El pintor aparece con aspecto de bohemio errante, con boina, tabardo y zuecos, tras una verja de madera delante de la cual observamos a una mujer bretona con su traje característico. El perro que aparece junto al pintor es el elemento cómico de la escena. En estos momentos, Paul emplea un colorido muy impactante a través de azules,verdes y naranjas, inspirado en su estancia en el Caribe y en el tiempo que convivío convan Gogh en Arles, de quie también copió la pincelada. Este vivido colorido otorga a la escena un aspecto fantástico y simbólico, alejándose totalmente delimpresionismo en el que dio sus primeros pasos.

Titulo: El barreño , 1886

Autor: Edgar Hilaire Degas

Museo: Colección particular

Características: Pastel 70 X 70 cm

Estilo: Impresionismo

Una de las mayores preocupaciones de Degas sería el movimiento de la figura humana, por lo que realizó numerosos estudios en donde las modelos adoptan posturas excesivamente escorzadas. algunas de esas poses fueron fotografiadas por el pintor para evitar la tensión que estba provocando a sus modelos. una de esas posturas escorzadas es la de la imagen, perteneciente a la serie de mujeres en el baño realizadas por Degas entre 1885 y 1886 y expuesta en la muetras impreionista de 1886.

La amcopañarían el baño de la mañana y Mujer bañandose en un barreño, entre otras. La joven se agacha para la esponja en un escorzo que recuerda imágenes de Rubens. La posición de sus pies e incluso la manera de alargar el brazo recuerda a las bailarinas que tanto atraian a Degas. En la zona del fondo se aprecia una ventana con visillos blancos por la que penetra una fuente de luz solar, que ilumina toda la estancia y resbala por el bello cuerpo de la muchacha. Esta luz provoca una sombra coloreada, distribuida por la superficie, que pone en contacto al pintor con el grupo impresionista. Sin embargo, Degas era más partidario del dibujo que sus compañeros y en toda la serie ofrece un magnifico de como compaginar el interés por el dibujo con los nuevos conceptos de luz y color. Gauguin sintió una especial atracción por las escenas de esta serie. el barreño es una de las mas coloristas, con variada tonalidades como el azul de las cortinas o el amarillo, rojo y verde para la alfombra, obtenida a base de pequeños toques de pincel. El color gris del barreño contrasta con las blancas toallas y sábanas, sin olvidar la carnación de la bella joven. El color del cabello otorga una destacada nota cromática al conjunto; también es destacable la construcción geométrica, que organiza la composición con un circulo y un triángulo, incluidos dentro del espacio cuadrado del papel que sirve de soporte. Por último, resulta significativa la sensación de intimidad que ofrece la obra de Degas

Titulo: Interior de la estación Saint - Lazare, 1877

Autor: Claude Oscar Monet

Museo: Museo de Orsay

Características: Óleo sobre lienzo 75´5 X 104 cm

Estilo: Impresionismo

   En 1876 Monet se interesó por un nuevo motivo: el efecto del vapor y la luz en la estación de ferrocarril Saint - Lazare. Para ello alquilo un estudio cercano al lugar y solicito permiso al Director del Ferrocarril para retrasar la salida de los trenes y situar su caballete bajo la marquesina de la estación. No hubo ningún inconveniente para que los trenes fueran retenidos, los andenes cerrados o las locomotoras se cargaran para expulsar el mayor humo posible. Fruto de esta ardua labor es una docena de lienzos en los que el efecto de la luz sobre el humo de las locomotoras es el gran protagonista. Como casi siempre ocurre en las obras de Monet, las diferentes luces también se convierten en estrellas, según apreciamos en esta imagen si la comparamos con el Tren de Normandía. Bajo la estructura férrea de la estación, los trenes expulsan nuebes de humo que adquieren una tonalidad malva por la luz del sol. Las siluetas de los edificios del fondo se diluyen y crean un conjunto de gran modernidad. La pincelada empleada por Monet es muy rapida. de modo que la forma va perdiendo importancia ante el color y la luz, pilares del impresionismo

Titulo: El jardín de las delicias/1503-1504

Autor: Bosco ( El )

Museo: Museo del Prado

Características: Óleo sobre tabla 220 X 195 cm

Dentro del estilo flamenco, este autor procedente de Holanda se desmarca completamente de su época e incluso de posteriores. El tríptico cerrado y abierto es una alegoría completa del origen y fin del mundo: cerrado muestra una de las primeras escenas del Génesis, la creación del mundo vegetal, origen de la Vida; por el contrario, abierto enseña la creación completa en la puerta izquierda, el infierno en la derecha, y en el centro las más variadas formas de la sensualidad, que presumiblemente conforman la vida terrenal. Leído de principio a fin, narra la historia de la caída del género humano, sin posibilidad de redención, puesto que no existen las figuras divinas de Cristo o María, ni tampoco la elección de los benditos para vivir en la Gracia de Diostras el juicio final. El Mundo, los mundos que presenta El Bosco no tienen nada que ver con la realidad, ni con la comprensión humana. es uno de los primeros genios de la historia del arte que introduce en sus imagenes  el componente onírico que supera la realidad consciente. La fantasía, el humor, la crítica vitriólica saturan esta imagen cruda del ser humano, que se precipita en el infierno con cada uno de sus actos. El Bosco puebla sus paisajes conmonstruos, plantas antropomorfas, objetos imposibles. El ser humano, desnudo ante sus actos, es poco más que un gusano diminuto pupulando entre ambientes misteriosos. Las encarnaciones de la sensualidad son deslumbrantes por su variedad.: la música,el amor,el juego, la bebida, incluso el aprendizaje y el conocimiento. En el infierno, el sueño-pesadilla se disloca: orejas de las que emergen cuchillos, demonios con bocas dentadas en el vientre, escaleras que no llevan ningún sitio y, entre todo ello,los cuerpos de los pecadores que están siendo despedazados por los demonios y sus máquinas infernales. La técnica minuciosa de El Bosco está directamente relacionada con la pintura de su época y los avances con el Óleo.pero su forma de componer y situar las figuras en el espacio, así como su interpretación de un tema clásico de la pintura religiosa, no tienen nada en común con los otros pintores de su entorno. se ha tratado de justificar estaiconografía a través de la enseñanza de una secta herética del momento, llamada ¨del libre espiritu¨, aunque no está aclarada la pertenencia de El Bosco a la misma. Podría haber entresacado los motivos de textosecolásticos, concretamente de los comentarios de San Agustín y San Gregorio a pasajes del Antiguo Testamento. El sobrenombre de ¨La pintura del madroño¨es de origen español: tras la compra de Felipe II el cuadro es, entregado al supervisor de El Escorial, el padre Siguenza, quien dice textualmente al inscribirlo en los registros palaciegos: ¨la otra tabla, de la gloria vana y breve gusto de la fresa o madroño y su olorcillo que apenas se siente cuando ya es pasado, es la cosa más ingeniosa y de mayor artificio que se pueda imaginar¨,ya que efectivamente apreciamos la imagen de unasfresas o madroños en primer término de la tabla central. El tríptico se mantuvo en El Escorial hasta su traslado en 1939 al Museo del Prado

Tiziano

Titulo: Venus y Adonis, 1560 h.

Autor: Tiziano

Museo:  National Gallery of Art ( Washington )

Características: Óleo sobre lienzo 106,8 X 136 cm.

Estilo: Renacimiento Italiano 

 De la mayor parte de las poesias encargadas por Felipe II se realizaron nuevas  versiones, llegando a ofrecerse una serie completa al emperadorMaximiliano II en 1568. Venus y Perséfone se prendaron del pequeñoAdonis y tuvo que ser Zeus quien zanjara la cuestión, decidiendo que Adonisviviera un tercio del año con Afrodita, el otro con Perséfone y el tercero donde quisiera. Sin embargo, los dos tercios del año los pasaba Adonis en compañia de Afrodita. Por razones desconocidas, Artemisa montó en cólera contra el joven muchacho y durante una cacería envió contra él un jabalí, que lo hirió mortalmente. De esta manera, Perséfone, diosa de los Infiernos, disfrutaría en exclusiva del joven. Tiziano recoge con sus pinceles el momento en el que Adonis parte a la fatídica cacería, intentando la diosa retener a su amado mientras éste le dirige una tierna mirada. Los perros y un amorcillo completan la escena que se desarrolla al aire libre, ante un cielo tormentoso como anticipo del destino que espera al cazador. Las dos figuras presentan posturas escorzadas, contraponiéndose para aumentar el dramatismo del momento. Una potente luz dorada baña la escena y crea acentuados contrastes de luz y sombra, resbalando la iluminación por el bello cuerpo devenus mientras el fondo muestra cierta penumbra. El color es aplicado de manera rápida y fluida, creando-junto a la luz- efectos atmosféricos que serán muy admirados por los maestros del Barroco como Rembrandt o Rubens.En la National Gallery de Londres encontramos una versión similar. 

Titulo: Adán y Eva, 1507

Autor: Albert Durero

Museo:  Museo del Prado

Características: Óleo sobre tabla 209 x 81 cm.

Edgar Hilaire Degas

Titulo: Músicos en la Orquesta / 1870 - 71

Autor: Edgar Hilaire Degas

Museo:  Städelsches Kunstinstitut

Características: Óleo sobre lienzo 69 X 49 cm.

Estilo: Impresionismo

Degas se sitúa en la primera fila del patio de butacas del Teatro de la opera para

representar esta escena de danza, uno de sus temas favoritos en la década de1870.Indirectamente nos muestra a los componentes de la orquesta, quienes aparecen en primer plano,tocando sus respectivos instrumentos musicales y pendientes de las partituras correspondientes. Tras ellos la bailarina principal saluda ante los aplausos del público, mientras que las demás bailarinas se agrupan delante de la tramoya del escenario. La luz del espectáculo ilumina lógicamente a la estrella, quedando en un espacio más ensombresido losmúsicos de la orquesta, vestidos con sus elegantes trajes y sus corbatines blancos y el resto de las muchachas ataviadas con sus característicos vestidos.La perspsectiva empleada por el pintor es toda una novedad, apreciándose la influencia de la fotografía. Hasta ahora nadie se atrevía a contar los planos pictóricos y situarse en esa situación para realizar sus obras, peroDegas se interesa por todo tipo de novedades técnicas como sus compañerosimpresionistas.

Lo mismo ocurre con la iluminación en este caso artificialpara represtar de estamanera la modernidad.Los colores empleados son bastante monótonos, abundando el negro y el blanco para crear un acentuado contraste,un recurso muy utilizado por Manet, gran amigo de Degas. Para animar la composiciónañade tonalidades rosas y verdes, creando un interesante ritmo cromáticoque se distribuye por todo el espacio a través de este color rosa que portanlas bailarinas. El gesto de la primera bailarina y el perfil del músico de la izquierda demuestran la facilidad para retratar que exhibe Degas,apreciándose el predominio del dibujo aunque la pincelada empleada sea bastante suelta,especialmente en los fondos y en los vestidos para crear el efecto vaporoso de las telas. Muy similar a la orquesta de la opera, demuestra el artista su especial predilección por los temas del ocio de la burguesía, de la que era un activo miembro al acudir a las representaciones de la opera, a los hipódromos o a los ensayos de danza. Cercano pues al Realismo, Degas se sitúa dentro del naturalismo al mostrar una imagen más moderna y cotidiana de la sociedad en sus cuadros.